Ensayo del lenguaje del vjing para redefinir la Historia del Arte.

…Riendo, llorando, jugando, chocando, provocando, trastocando la mentalidad usual…

VJ EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO POR DUNJA KUKOVEC

Extracto de conferencia celebrada en 320×240.org,Vis Island, Croatia. Agosto 2003

Aclaratoria: El texto a continuación, sigue la lógica del VJ-ing. Está escrito con acotaciones y pensamientos desordenados.
Es una de las perspectivas para mirar al VJ-ing. En vez de significados arraigados, el proceso y el discurso son considerados puntos de partida
Lo real y lo virtual, lo correcto y lo incorrecto dependen del contexto. Cada día es revolución.

En general este texto trata de VJ-ing, historia del arte y espacios de representación y acción.
Sin embargo, para la persona creativa, tal como personalmente lo he escuchado de los VJ’s, no es importante si el VJ-ing es arte o no, o si es interpretado en la calle, en un club, muséo o evento especial.

Museos o galerías pueden ser vistos simplemente como lugares de uso, para ser invadidos.

0. Introducción

Acotaciones de algunos varones en escena:

Lev Manovich : ” A esta generación no le importa si su trabajo es llamado arte o diseño.
Esta generación ya no está interesada en la crítica mediática que ha preocupado a los artistas multimedia de la últimas dos décadas; el interés ahora reside en la crítica del software. Esta generación escribe su propio código de software para crear sus propios sistemas culturales, en vez de usar muestras de comercio mediático.

El resultado es el nuevo modernismo en la visualización de data, redes vectoriales, mallas de pixel: diseño bauhaus al servicio del diseño de la información. En vez del barroco asalto de los medios comerciales, la generación Flash nos sirve la estética modernista y la racionalidad del software. El diseño de la información es utilizado como una herramienta para hacer sentido de realidad, mientras la programación informática se convierte en una herramienta de poder.”

Douglas Crimp acota en “Sobre las Ruinas del Muséo”, en referencia a Walter Benjamin: ” A través de la tecnología reproductiva, el arte posmodernista dispensa su áura. La ficción del sujeto creador, da paso a la franca confiscación, acotación, extracción, acumulación y repetición de imágenes ya existentes. Las nociones de originalidad, autenticidad y presencia, esenciales para la estructuración del discurso ordenado de los museos, están siendo minadas.”

Boris Groys : “Mientras menos difiere visualmente un trabajo de arte de un objeto profano, más necesario se hace cada día, dibujar una clara distinción entre el contexto del arte y el profano. Cuando un trabajo de arte parece “una cosa normal” requiere de la contextualización y protección del muséo. El trabajo de arte tiene una más larga vida y conserva su forma original por más tiempo en el muséo, que un objeto común en la realidad. Esa es la razón por la que una cosa ordinaria luce más real en el muséo que en la realidad.
Las diferencias en las estrategias del arte tradicional, moderno y contemporáneo son relativamente fáciles de describir.
En la tradición modernista, el contexto del arte era considerado como estable – era el contexto idealizado del muséo uiversal. La innovación consistía en producir nuevas formas, nuevas cosas, en este contexto estable. En nuestro tiempo, el contexto es visto como cambiante e inestable.
Así la estrategia del arte contemporáneo consiste en crear un contexto en el que una cierta forma o cosa parezca otra, nueva e interesante. El arte tradicional (y también una parte del nuevo arte mediático) está trabajando en el campo de la forma. El arte contemporáneo está trabajando en el campo de la creación de contexto, marco referencial, background y nuevas interpretaciones teóricas. Pero el objetivo es el mismo: crear un contraste entre la forma y el background histórico, hacer la forma parecer otra y nueva.”

Ha*Ka Nilsson acota: “Uno podría describir LPC como la nueva generación hippie. Se encuentra inclusive en el nombre. El otro lado del pacer del LPC no es una estrategia; es la afirmación que allí actualmente está el placer.
Ellos parecen pensar que todo es realmente mucho más fácil de lo que lo hemos hecho. La experiencia musical de LPC no está basada simplemete en la cultura occidental; ellos utilizan ritmos de todas partes del mundo, como haciendo una afirmación sobre el fenómeno global del danzar. Detrás de la política, detrás de toda la terrible masa medial de mezcla de voces, uno puede casi sentir LPC tratando de comunicar algo como “relájate pana, siéntelo!”

Así, tenemos las muestras originales con las que ahora haremos un remix.

1. História y Representación

Aunque la cultura VJ podría parecer autónoma, straight y no contextual; es en realidad mucho más compleja.
Un VJ, fué primeramente un coleccionista y a veces vidéo artista, ahora es artista cibernético o multimediático.
A medida que se va ampliándo van apareciendo nuevas formas de VJ : VJ como arte de software, VJ como arte del encuentro, VJ como arte viviente, VJ como activismo, VJ como arte 3D, VJ como arte público, VJ como creación cinematográfica o fotográfica…

VJ-ing puede ser vista como una simbiosis con el sonido. Historicamente VJ-ing está relacionado no solamente a la historia de lo visual, sino que va mano a mano con el sonido y la historia de la música – tal como la escultura y la pintura medieval evolucionaron juntas con la arquitectura. En términos de formalismo, podría ser parcialmente comparado al collage y a los métodos clásicos que se utilizan para manejar una herramienta o material.

-El VJ-ing desarrollado con imágenes encontradas utiliza métodos similares a los desarrollados por los creadores de la música concreta (Musique Concrete 1948-1964) – La Musique Concrete era música creada a partir de sonidos grabados en cintas (analógicamente), que luego eran alterados mediante la inserción de cambios en el pitch, la duración y la amplitud. También conocida como Tape Music, los métodos que fueron usados para la creación de Música Concreta se volvieron obsoletos con la invención del sintetizador modular.

-El Audio-video performance ‘gesamptkunstwerk’ realizado por el cineasta Godfrey Reggio con el compositor Phillip Glass titulado Koyaanisqaatsi evoca el jockeyismo digital.

– Algunos materiales visuales de producción independiente son análogos a viejos cortometrajes experimentales y a algunas animaciones.

– Finalmente, ciertas piezas de software especialmente desarrolladas (randomizers), o inclusive hardware, son considerados software art o hardware art.

Than..:) Las prácticas desarrolladas en la historia del arte durante la segunda mitad del siglo 20, cuentan con muchas herramientas para entender el VJ-ing como una forma de arte. Veamos:

– Vj-ing como performance >> Es similar como evento al performance y a los happenings de los 60′s y 70′s. Si, por ejemplo, un proyecto VJ es parte de una exposición colectiva, puede ser representado como performance de un día.

– Vj-ing como arte público >> Más allá de cualquier espacio público, el club es una clase de espacio público. Es como el espacio natural para esta clase de arte. Es el sitio específico para ejecutarlo.

– VJ-ing como show cinematográfico en vivo >> El performance VJ se presenta en cines. El público se sienta, y observa. En cierto modo esto es similar a lo que acontece en el muséo o en el teatro.

Recientemente también hemos visto al VJ-ing como software-art, hardware-art y arte interactivo. Desde mi punto de vista, estas formas de arte son las más productivas e innovativas.

VJ-ing no debe ser visto como una cortina o ranura con el sonido, sino como una simbiosis. Sin embargo, ambos pueden y de hecho existen el uno sin el otro. El material VJ puede ser usado como una proyección; su lugar perfecto se encuentra en cualquier espacio público. (Mala galerija Ljubljana, videolux).

Now..:) Otra pregunta clave es a que marco institucional pertenece el VJ-ing ?. Piensen en un club como parte del contexto, y como impacto final.

La falta de habilidad para incluir VJ-ing en una exhibición, resulta en un problema parecido al que confrontamos cuando tratamos de mostrar arte por computadoras y arte por internet. Los museos y las galerias, de alguna manera se han arreglado para acostumbrarse al cuarto obscuro (“Las vidéo instalaciones trajeron la grán noche al interior de los muséos — esta es quizás su función más importante. El espacio museográfico pierde su propia “luz institucional”. También el control sobre el tiempo de contemplación es pasado del visitante al trabjo de arte en sí mismo” (Boris Groys) pero los museos y galerías en general no han resuelto la creación de estas zonas de autonomía temporal.
Si el ritmo de adaptación de museos y galerías continúa desarrollándose de manera tan lenta, perderán todas estas formas creativas que requieren de una forma especial de reprensentación.
El VJ-ing está encontrando otra solución – por ejemplo el cine – y así lo están haciendo unas pocas instituciones de arte contemporáneo (ICA, Londres).

Pero, pertenece el VJ-ing al cine – donde el tiempo de sentarse a la entrada y el tiempo de salida son exactos ?, o pertenece a algún otro espacio, por ejemplo el muséo o la galería – donde los tiempos de entrada y salida son indefinidos y el modo de visualización estando de pié es un hábito…
Probablemente la solución más inteligente sea ese viejo espacio cinematográfico.
Las galerías y los laboratorios de nuevos medios deben converger en nuevos híbridos, algo como ICA, en Londres o Witt de Witt en Rotterdam.

2. Proceso moderno y valores postmodernos

Ilustrativamente la postmodernidad significa caos y convergencia. Modernidad significa orden y arraigo de significados.

Elementos básicos y formales del VJ:

Loop >> Casi todos los performances VJ están basados en el loop, al igual que la música electrónica contemporánea.
El loop es una forma, que puede también significar una herramienta, un elemento visual o género. Loopear demanda una percepción especial. Es tribal y es global. Puede ser declarativo, elegante y provocativo.
Tal como Lev Manovich ha demostrado, todos los instrumentos visuales pre-cinemáticos del s. XIX también se apoyaban en loops. A través de ello, los loops se fueron alargando eventualmente convirtiéndose en un rasgo narrativo… Hoy en día, presenciamos el movimiento opuesto – artistas sampleando pequeños segmentos de películas o programas de televisión, montándolos en loops y exhibiéndolos en diferentes trabajos de video.

Random >> En una máquina, el desorden del mundo es como bizarro. Ninguna máquina puede producir un verdadero random. Si hablamos correctamente, los procesos de producción de random son llamados pseudo-randomness.
Miramos a la estética del random como algo fascinante. Se encuentra ubicada en el borde donde todo está conectado e interrelacionado. Parece que no existe coincidencia en que esto sea exactamente como debería ser. Piensen en un screensaver (visual – protector de pantallas) como un dado de la suerte.

El loop y el random son elementos presentes en las prácticas de arte recientes. Podemos encontrar analogías en el Dada, Situacionismo, Cage, Eno y Glass.

El entramado del tiempo >> El entramado del tiempo, hace “del medio el mensaje”. El tiempo es un mensaje, y el tiempo es un contexto. La cultura occidental está basada en el tiempo. El VJ-ing es en cierto modo una crítica de este tiempo, debido a que está diciendo que no hay tiempo, que el tiempo no existe. Es infinito, depende de la percepción individual, de los sentidos y del sentimiento. Depende de tí decidir cuanto tiempo verás clips, no hay nadie que pueda decirte cuanto tiempo ver interactividad VJ.
El VJ-ing se interesa en la comunicación. El VJ-ing no es una forma de arte autónoma. Es interactiva en muchos sentidos. El resutado final es software de detección en movimiento. Es pre-configuración autoral.
Este es un tema muy complejo para explicarlo en este ensayo. Solo alcanzaré a afirmar que la historia del arte tendrá que redefinirse.
Un nuevo método para evaluar al artista y los equipos de trabajo tendrá que ser desarrollado.
Quiero afirmar que tú, como creador o artista, no eres EL PROPIETARIO de la idea o el trabajo de arte. Tú eres una REFERENCIA y UN CRÉDITO para futuras generaciones.

En estos términos, el VJ-ing es una forma de arte postmoderno. Pero ¿porqué por naturaleza no es simplemente lógico que el VJ-ing es una forma de arte?
Porque la mayoría de los curadores simplemente lo ignora, o actúan como en todo sistema de poder, y fuerzan a los creadores VJ a ignorar esta clase de sistemas.
El caso no es tan simple y pienso que deberíamos convertir los museos en ruinas y no simplemente ignorarlos.

Por otra parte, en términos de producción y procesos, estamos hablando acerca de producciones focalizadas y métodos fijados por los procesos. Cuando estás haciendo VJ, estás haciendo algo exacto, tal como esculpir o pintar… en un modo más Warholiano o Pollockniano, más espumoso y ligero y menos contemplativo y rapsódico. Los he visto disfrutarlo a todos, mientras era su turno para VJ.
VJ no es como el arte gestual de los noventa. En este sentido no pertenece a la tradición de Duchamp.
Un artista VJ es definitivamente un nuevo tipo de artista, que es sobre todas las cosas un consumidor aristocrático ejemplar (ver Groys).

La otra cosa que un VJ puede ser, es un artesano. Como la mayoría de los ceramistas, pintores y escultores de otros tiempos. Pero yo no diría eso.
De acuerdo a las deficiones de los artistas jóvenes, un VJ es un artista típico, quién a propósito de una manera descuidada cita la historia del hombre blanco occidental y pertenece a la llamada generación Flash.

Durante los noventa vimos nacer un nuevo estilo de arte llamado arte contemporáneo. En la era de nuestros abuelos, ellos y nosotros vimos como el progreso rápido estuvo siempre presente. De acuerdo a esto, todo lo que necesita ser sistematizado y explicado, en cierta manera tiene conexión con lo nuevo. Así, después de la arquitectura moderna y del arte moderno, tenemos arquitectura postmoderna y arte postmoderno.

Pero los noventa se han ido. Han terminado de modo dramático. Nadie esperaba un final tan drástico. Internet se está convirtiendo en lo que se está convirtiendo. No quiero hablar de esto porque creo que una estructura de tecnología abierta funcionará. (Piensen sobre Mozzila o Linux. Están aquí para todo el mundo. Sin embargo cuando busco apple en cualquier motor de búsqueda, el primer encuentro no es nunca una fruta, pero siempre una compañía. De cualquier manera, estamos en la necesidad constante de una utopía social).

Ver al arte contemporáneo como un estilo nos capacita para dilucidar más profundamente algunos atributos y definiciones -es un marco referencial, un método para la comunicación. Trabajando dentro de este contexto fluido y cambiante, creando nuevas cosas a partir de las viejas con la ayuda del contexto mismo – son dos importantes cualidades del arte de los noventa. Exhibiciones en el Kunsthalle Wien, Abracadabra in Tate, Documenta X, y en el Harals Szemann Arsenale 2001 en Venecia, son solamente unos pocos ejemplos. En un mundo de niños, estas exhibiciones curadas por curadores creativos, parecían una feria de diversiones. Ellas activaron todos nuestros sentidos, trajeron muchos modos nuevos. Riendo, llorando, jugando, chocando, provocando, trastocando la mentalidad usual. Todos los trabajos de arte fueron como diferentes tipos de droga, produciendo un cierto sentimiento en tu mente y cuerpo. Esto fue muy diferente de los cubos blancos previos, exhibiciones lineales y narrativas para el predominio de la contemplación, observación pasiva y sumisa fueron los modos básicos de recepción.

En la exhibición contemporánea existe una comunicación en dos vías, mientras que antes existía una comunicación en una sola vía. En los noventa ha habido un diálogo, discurso y significado contextual, antes nos estaba diciendo algo, en una manera mas o menos straight y a veces sublime.

¿Pero que está pasando ahora cuando nosotros (historiadores de arte) nos estamos preguntando si el VJ es arte ?.
Veamos a la última tendencia en las artes visuales, en un ejemplo más reciente, Documenta 11 y la Bienal de Venecia 2003. En ambos casos un cierto aspecto modernista fue sentido y también visto. Era claro que una cierta necesidad de redefinir y repensar el modernismo estaba presente. Documenta y su Biearhalle fue un ejemplo clásico de acercamiento modernista en el montaje, con los cubos blancos y una vía de comunicación en un solo sentido (esto es lo que quiero decir cuando colocas las manos en tu espalda y caminas a través de la exhibición). La Bienal de Venecia, especialmente algunas partes de la exhibición celebrada en el Arsenal hablaban directamente de modernismo en una manera tendenciosa. Así, una parte estaba directamente dedicada a la pintura y otra parte estaba directamente discutiendo el modernismo. Al mismo tiempo, en Ljubljana hubo una exhibición que se enfocó predominantemente en la forma más que en el contexto en el arte contemporáneo. Todas estas exhibiciones trataron el tema del modernismo y aspectos como la expresión a través de la forma, la autonomía; los significados y procesos definidos.
Una de las evidencias más ilustrativas, ha sido que en ninguna de estas exhibiciones ningún trabajo de arte ha sido de carácter interactivo. Todos estos trabajos estuvieron exhibidos solo para ser contemplados. Algunos de los videos eran muy similares a estructuras de video que podemos encontrar en algunos trabajos VJ, que si forzamos un poco el proceso de análisis podríamos encontrar similitudes a trabajos de codificación en el software-art.

Lo que estoy tratando de demostrar aquí, es la carencia definitiva – en aquellas exhibiciones que he mencionado, no he visto ni un solo trabajo de arte realizado con nuevos medios que pudiese mostrar nuevas formas y procesos: código, formas cambiantes, higiénica estética de imágenes generadas por computadora, etc. Ninguna de estas exhibiciones buscó respuestas en el campo de los nuevos medios y de las nuevas herramientas tan ampliamente usadas. Estuvieron buscando respuestas posibles con un método exclusivamente parcial. Sin embargo, hay unas pocas excepciones pero la mayoría está repitiendo los mismos errores una y otra vez.

El renacer del modernismo como tal, no es una coincidencia. Tal como en la sociedad, necesitamos acciones directas y soluciones arregladas. En el marco de la historia visual se piensa en un libro escrito por Lev Manovich. El título de este libro publicado en el 2000 es ‘El Lenguaje de Los Nuevos Medios’. La asociación con el lenguaje de las artes visuales, el término más discutido en el elevado arte modernista, es indispensable. El libro representa un acercamiento totalmente modernista – como instrumento de investigación utiliza métodos descriptivos, narrativos y lineales, con la clásica autoridad que le confiere su background.
El libro es formalista y podríamos compararlo a textos que hablan sobre pintura, escultura etc.. i.e. como pintura gestual, chorreadura, expresionismo etc. El Lenguaje de Los Nuevos medios no habla acerca del impacto cultural, social o político del arte, tantas veces discutido durante los noventa. El libro es un revival definitivo del modernismo – la época de los significados arraigados y la autonomía del arte.

Sin embargo, Lev lo hizo a propósito. El Lenguaje de Los Nuevos Medios es una preciosa observación, y así se convierte en otra referencia de rigor en el campo de los nuevos medios en el arte.

Esta clase de método es todavía útil para ver la luz en experimentos con la forma y la función en numerosos laboratorios digitales.

En este punto podemos comenzar a hablar acerca de VJ. VJ-ing es tan arte moderno como el libro de Lev Manovich lo es. Todas las prácticas descritas en este libro están más cercanas a Picasso que a Marcel Duchamp. Toda su vida, Picasso trató con la pintura y la forma, tal como el artista de los nuevos medios está tratando con una parte de la tecnología informática. Tal como el VJ está tratando con una imagen en movimiento de loop. El VJ puede ser visto también como un proceso de comunicación en un solo sentido, la imagen nos está diciendo algo , juega con lo sublime y el loop, con recursos del elemento sorpresa, oportunidad y a veces el choque.

Con las definiciones acerca de los artistas contemporáneos (de los noventa), estamos aquí contemplando una nueva forma de arte, que va más allá de lo moderno y del arte contemporáneo.

A donde llegará el VJ, es una cosa que dependerá de los trabajos de cada individuo.
El artesano VJ siempre estará feliz de “tocar” en un club; para nosotros los asistentes a la fiesta. Ese es en nuestro propósito. Pero el artista o activista VJ, que interpretará su trabajo en variadas situaciones, combinando diferentes prácticas creativas, usando la tecnología en caminos de regreso y abiertos; nos llevará a los espectadores, definitivamente hacia una catarsis. El VJ nos hará pensar de una manera diferente porque experimentaremos algo especial y único.

Déjenme terminar con una frase del historiador de arte Ha*kan Nilsson: “Es en mucho, acerca de la interferencia. Pero al final es predominantemente acerca del amor. Supongo que eso es una confesión. Similitudes o no celos o no, no importando el acercamiento intelectual o la estructura rizomática, en el mundo de la música el cínico diletante (el crítico de arte) puede sentir que el amor es el poder supremo. Entonces, ¿ que tal si la idea general es romántica ? La danza es global, así la raza humana. Nada es imposible. Eso me gusta. Allí, finalmente lo digo. Debajo de las piruetas del lenguaje, todos nosotros de tiempo en tiempo tratamos de formular aquello que a veces nos parece tan sencillo: ” El nombre del juego es sentirse realmente bien”. Es tan fácil como eso. No se necesita otra excusa.

DUNJA KUKOVEC
SKYLINED.ORG/MELON
SCAN-LINE/FOOBAR
ART.CLUESTORY.VS.PRESENT.MEDIATHEC.